lunes, 20 de noviembre de 2017

Hypnotic Brass Ensemble - Book Of Sound



Hypnotic Brass Ensemble (also known as The Bad Boys of Jazz) is an eight-piece, Chicago-based brass ensemble consisting of eight sons of the jazz trumpeter Phil Cohran. Their musical style ranges from hip-hop to jazz to funk and rock, including calypso and gypsy music. They call their eclectic blend of sound "now music", or "Hypnotic". Reared in the teachings of music since they were children, they grew up on the stage playing as the "Phil Cohran Youth Ensemble".

https://en.wikipedia.org/wiki/Hypnotic_Brass_Ensemble



1 Lead the Way 3:13
2 Purple Afternoon 6:07
3 Kepra 5:58
4 Morning Prayer 4:24
5 Now 6:19
6 Solstice 4:16
7 Midnight 4:57
8 Sri Neroti 4:06
9 Heaven and Earth 4:34
10 Synapsis 4:49
11 Royalty 3:11

domingo, 19 de noviembre de 2017

Mighty Mo Rodgers & Baba Sissoko - Griot Blues


Mighty Mo Rodgers es es un artista reconocido una leyenda del blues estadounidense. Ha ganado muchos premios de música prestigiosos en Estados Unidos y Europa. Mighty Mo Rodgers es un músico de clase mundial cuya música es como un soplo de aire fresco en el mundo de la música blues y R & B.

Mighty Mo Rodgers ganó muchos premios: "The Handy Awards" por su álbum "Blues Is My Wailin 'Wall", (1999); "Living Blues" nominado para el álbum de blues contemporáneo "Red White and Blues"; "Trophees France Blues" lo declaró el mejor artista internacional para 2001 y 2002; el premio al mejor compositor (2003); "CHIC De L'Annee" le dio el mejor nombre de artista de blues (2007).

Baba Sissoko es el dueño de una gran voz y un maestro del tamani tambores del oeste de África, así como de muchos otros instrumentos (ngoni, guitarra, batería, balafón, kalabas, sildrum, kamalengoni). Su sensibilidad excepcional a la expresión musical de otros músicos lo llevó a colaborar con estrellas de la música de todo el mundo como Salif Keita, Ibrahim Ferrer, Habib Koite, Youssou N'Dour, "Buena Vista Social Club" y muchos otros. Baba Sissoko pertenece a una dinastía de cantantes griot malienses que poseen y transmiten la tradición arcaica.



Mighty Mo Rodgers - vocal, keyboards
Luca Giordano - guitar
Walter Monini - bass guitar
Pablo Leoni - drums
Baba Sissoko - ngoni, tamani, vocal, guitar

01. Shake 'em Up Charlie (4:09)
02. Mali To Mississippi (3:37)
03. Nalu - Mother (3:24)
04. Donke   Dance (4:53)
05. Demisenu - Children (2:10)
06. The Blues Went To Africa (3:49)
07. Djeli - Griot - Storyteller (3:47)
08. Drunk As A Skunk (3:29)
09. What Is The Color Of Love (3:58)
10. Mo Ba (3:51)
11. Griot Blues (4:38)
12. Kalimba #12 (0:51)

sábado, 18 de noviembre de 2017

Boubacar Traoré - Dounia Tabolo



Boubacar Traoré ( * 1942, Kayes (Malí) es un conocido cantante, letrista y guitarrista maliense. Conocido también como Kar Kar, "el que regatea demasiado" (en bambara, una de las lenguas malienses), en referencia a su modo de jugar al fútbol: "un apodo que tengo desde que era joven, cuando la gente gritaba "kari, Kari" (regatea, regatea), el nombre se me quedó pegado".

Traoré empezó a ser conocido por primera vez en los primeros años de los 60s, cuando canciones como "Kar Kar Madison", "Sunjata", "Kayeba" y "Mali twist" no paraban de sonar casi todos los días en la radio. Había empezado a tocar la guitarra de modo autodidacta y había desarrollado un estilo único, mezcla de blues americano, música árabe y kassonké, un estilo de música tradicional de su región natal.
Se convirtió en una superestrella en Malí y en un símbolo del otra vez país independiente (ver Historia de Malí). Sus canciones eran muy populares y solían aparecer en la radio. Sin embargo, dado que no hizo grabaciones, y como tampoco se pagaban derechos a los músicos, era muy pobre y tuvo que realizar trabajos extraños para sobrevivir.

 https://es.wikipedia.org/wiki/Boubacar_Traor%C3%A9



1. Dounia Tabolo 6:53
2. Ben De Kadi 5:45
3. Yafa Ma 5:24
4. Kanou (Kanga Keniogon Fe) 7:13
5. Mousso 4:34
6. Dis Lui Que Je L'Aime Comme Mon Pays 7:43
7. Badialo 3:43
8. Duna Ma Yelema 5:34
9. Je Chanterai Pour Toi 5:23
10. Maciré 6:53
11. Narena 4:43
12. Askia Mohamed 5:14
13. (Bonus) Dis Lui Que Je L'Aime Comme Mon Pays (Radio Edit) 3:47


domingo, 12 de noviembre de 2017

3MA: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajery – Anarouz (2017)







Desde su álbum debut en 2008, los músicos de 3MA han pasado por muchas experiencias individuales ampliando sus conocimientos.
Se reúnen regularmente para dar conciertos de 3MA en todo el mundo y con el paso de los años, han surgido nuevas ideas, que luego han sido refinadas, dando lugar a nuevas composiciones o reelaborando las ideas existentes.
Una década después del comienzo de su aventura, llegó el momento de hacer un balance y volver al estudio de grabación. Este nuevo álbum es testigo de su maravillosa conexión y experiencia madura. El percusionista Khalid Kouhen se suma a dos temas para agregar pulsos delicados con sus percusiones paquistaníes y tablas indias, y en otras dos pistas incluso podemos escuchar a Rajery, Driss y Ballaké cantando.
Pero durante el resto del disco, los instrumentos de cuerda reinan y tejen su magia solos. Cada pieza es el resultado de una química única en la que las partes individuales son difíciles de definir. Los sonidos de kora, oud y valiha no intentan sobresalir entre sí, sino que desarrollan un lenguaje común. Si bien nunca perdemos de vista las ricas tradiciones que representan Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi y Rajery, escuchamos sobre todo un mensaje compartido de 3MA, un mensaje que se manifiesta contra la violencia de nuestro mundo, con sus armonías suaves y vigorizantes, energía vital y poesía universal.



TRACK LIST
  1. Anarouz
  2. Samedi glace
  3. Anfaz
  4. Moustique
  5. Hanatra
  6. Lova
  7. Mariam
  8. Aretina
  9. Jiharka
  10. Awal

Maryam Saleh | Maurice Louca | Tamer Abu Ghazaleh - Lekhfa الإخفاء



Lekhfa is the creation of Maryam Saleh, Maurice Louca and Tamer Abu Ghazaleh, three legendary musicians who came of age in 1990s Cairo. Decades later, the three trailblazing musicians, each having paved their way through the alternative Arabic music scene, have united to create a stunning new album. A rapturous combination of extraordinary musical talent and creativity, Lekhfa gives birth to an off kilter sound where layers of grit and beauty intertwine in and around the dystopian poems of their contemporary Mido Zoheir, whom they’ve dubbed the fourth ‘member’ in this creation, and one of the most talented Egyptian poets of their generation.






1. Kont Rayeh
2. Nefsif Akli
3. Ekaa Maksour
4. Mathaf Fonoun El Ghesh
5. Mazzikaw Khof
6. El Shahwa Wel Soaar
7. Teskar Tebki
8. Woshoush El Leil
9. Makonsh Wakoun
10. Ayez Awsal



Diron Animal - Alone



Nacido y criado en el ghetto angoleño de Cazenga, el nuevo disco del instrumentista, ahora con base en Portugal, es un crisol de estilos musicales y culturas.
"Vengo de la música tribal" dice Diron. "Tenía un grupo de música tradicional, luego me mudé a un grupo de Capoeira donde era un corrido principal y tocaba batuque. Por esa época también comencé a introducir estilos Hip Hop y Kuduro. Luego mezclé Kuduro con Hip Hop y Kuduro con Rock. Ahora estoy haciendo música para todas las personas y todas las edades ".
Con un pie firmemente establecido en sus raíces gueto, el álbum es una exploración personal: "Cazenga es un lugar donde se inventaron muchas danzas angoleñas, donde los niños deambulan descalzos y sin comida, pero pueden transformar sus luchas en creatividad", dice Diron.
Este movimiento y lucha es el núcleo del nuevo disco. Los estilos africanos tradicionales combinados con el estilo frenético de la música electrónica de Portugal culminan en un registro vibrante, enérgico y rítmico que trata tanto de la adversidad como de la positividad.


https://dironanimal.bandcamp.com/album/alone


1. Kema 04:07
2. Ghetto Ghetto 04:03
3. Love Family 05:08
4. Oxala Kuanbote 04:20
5. Don't Stop 03:27
6. Diculo 02:30
7. Bitch My Love 03:01
8. NCrazy feat. Spoek Mathambo 03:21
9. LM 04:17
10. Help 04:08



miércoles, 8 de noviembre de 2017

Phoebe Hunt & The Gatherers - Shanti's Shadow (2017)


De alguna manera, Phoebe Hunt es una entre un mar de millenials, que habitualmente se someten a crisis existenciales, moviéndose y tejiendo, sin embargo, para disfrutar su vida y escapar del "enganche" del mundo corporativo. Como muchos de sus compañeros, ella hace yoga, realiza retiros de meditación, vive con su esposo en una casa de Brooklyn llena de amigos artísticos y por cuenta propia y sueña con una vida exitosa en formas que nada tienen que ver con el dinero.

"Quiero ser libre", dice ella. "La libertad es ilimitada. Dentro de una construcción social y dentro de la sociedad capitalista en la que estamos, ser capaz de ser libre significa poder conectarnos con tu verdad más profunda y poseerla. Se trata de confiar en los demás lo suficiente como para compartir ese yo, colaborando con ellos para unirse en una comunidad auténtica. Se trata de ser totalmente vulnerable ".

Su ideación de libertad tiene una cualidad decididamente femenina, invocando nociones de ceder en vez de conquistar. Es una filosofía que requiere que abandone la licencia para hacer lo que quiera en nombre de una libertad más universal. Este es el ethos con el que lidera su banda y también la forma en que mide su éxito:

"Últimamente la gente me ha estado diciendo que mi música abre sus corazones. Para liberar espiritualmente las cosas es para lo que estamos aquí y si mi música puede hacer eso, bueno, creo que es hermoso ".

No es de extrañar que Hunt se ablande: pasó dos meses en el último año en misiones espirituales, primero en el Camino de Santiago en España y luego en un retiro de meditación védica en la India. Fue en ese segundo viaje que pasó tiempo estudiando con el maestro violinista y vocalista Kala Ramnath, que enseñó a Hunt a tocar su instrumento en la tradición clásica del norte de India.

Su último álbum, Shanti's Shadow , es una expresión de todas las diversas facetas del lugar de Hunt a tiempo: su estilo de vida artístico, su espiritualidad, su espíritu de búsqueda, pero sobre todo suena como la confesión de una mujer que está aprendiendo a conducir cediendo a lo que viene, una mujer formada como una perla dentro de una concha de ostras.
https://www.phoebehuntmusic.com/press

Phoebe Hunt & The Gatherers - Shanti's Shadow

sábado, 4 de noviembre de 2017

Nigel Stanford - Solar Echos


John Stanford o conocido como Nigel Stanford (Wellington, New Zealand), es un reconocido productor de música ambiental. y se caracteriza por la fusión total de Trance y música ambiental. Actualmente trabaja en New York e inicio su trabajo musical en 1999





1 Solar Echoes 10:16 
2 Entropy 9:02 
3 The Edge 8:07 
4 Cymatics 4:45 
5 Sea of Tranquility 7:40 
6 The Watchers 10:29 
7 Aurora 9:59 
8 Deep Space 8:04 
9 Far Centaurus 9:58 
10 Dark Sun 8:01



domingo, 29 de octubre de 2017

The Nile Project – Jinja

Subido por Marhali.

The Nile Project es una loable iniciativa hacia el panafricanismo: artistas de once países por los que pasa el río y sus afluentes se reúnen anualmente para impartir cursos y concienciar sobre la necesidad de cuidarlo. Una idea redonda y una maravilla musical, porque alcanza momentos de una intensidad y compenetración absolutamente asombrosas.

El proyecto, auspiciado por el etnomusicólogo egipcio Mina Girgis y la cantante etíope y activista cultural Meklit Hadero, comenzó en enero de 2013 cuando 18 artistas procedentes de Egipto, Uganda, Etiopía, Sudán del Sur y Sudán, se reunieron para desarrollar un proceso creativo colaborativo que duró 10 días. El resultado fue Aswan (2013) donde ya se preveía la trayectoria exitosa que tendrían estas y estos embajadores y diplomáticos de la música. El colectivo de intérpretes se va de gira por el mundo para difundir el mensaje ecológico y de interculturalidad, acontecimiento que en 2016 aprovechan para grabar Jinja (2017) en Uganda, lugar donde se encuentran las fuentes de El Nilo.

Más allá del sentimiento de hermandad que promueve, la música de la banda resulta atractiva justamente cuando reproducen sus valores de unión, cuando las tradiciones de Egipto, Etiopía, Sudán, Uganda… (y sus respectivos instrumentos) se van integrando o alternando a lo largo de una misma pieza. Una armonía que suena sorprendentemente accesible incluso para la o el oyente occidental, a pesar de la diversidad de instrumentos musicales, estética, estilos y lenguas. Los temas están compuestos por los y las artistas intérpretes en seis idiomas. Las voces de la egipcia Dina El Wedidi, la etíope Selamnesh Zemene (componente de Ethiocolor), o de la sudanesa Alsarah protagonizan de forma espectacular este mega-proyecto musical, destacando también la versatilidad, energía y gran voz del burundés Steven Sogo.

01. Inganji - feat. Sophie Nzayisenga and Selamnesh Zemene
02. Allah Baqy - feat. Dina El Wedidi and Sarah Abunama-Elgadi
03. Ya Abai Wuha - feat. Selamnesh Zemene
04. Omwiga - feat. Micheal Bazibu
05. Uruzi Nil - feat. Steven Sogo
06. Dil Mahbuby - feat. Dina El Wedidi and Mohamed Abozekry
07. Tenseo - feat. Jorga Mesfin, Mohamed Abozekry and Selamnesh Zemene
08. Marigarita - feat. Sophie Nzayisenga, Hany Bedair, and Selamnesh Zemene
09. Biwelewele - feat. Steven Sogo
10. Mulungi Munange - feat. Micheal Bazibu, Sophie Nzayisenga and Steven Sogo

Orchestre Les Mangelepa - Last Band Standing


Orchestre Les Mangelepa was formed in July 1976. Mangelepa extensively toured East and Central Africa and are known for their spectacular stage shows. A search for quality instruments brought the Congolese band Orchestre Baba National to Kenya in 1975.

However due to domination by members of the older generation in the orchestre Baba National Band, a group of young and vibrant members led by Bwamy Walumona, pulled out and formed their own band- Orchestre Les Mangelepa, in order to express a more youthful sound. Thus, Les Mangelepa, an orchestra that prides in quality ageless music was born on the first day of July 1976. The band quickly gained popularity in Nairobi. In the same year of the Band’s formation Jack Gerchun, an Israelite restaurant owner being impressed by their stage frolics accepted the band to frequently perform at his restaurant.

In the subsequent years they held performances at Garden Square, Alliance Club and also toured Kenya. However the band was never too keen to devote themselves fully to live performances and so they concentrated on practicing and recording music. To date the band has recorded more than 13 albums. In 1979, after Idi Amin’s reign Les Mangelepa were called to perform at Lugogo Stadium to establish peace and tranquility among Ugandans but shortly into the performance, the crowd became chaotic disrupting the performance. Being an Ochestra, Les Mangelepa is equipped with top vocalists, guitarists, Drummers, pianists and tenor & alto saxophonists. Having being around for over 30years, the band carries a taste of the past into the present while pressing on to appeal even in the future.https://www.musicinafrica.net/directory/orchestre-les-mangelepa






1 Kanemo 9:07 
2 Malawi zikomo 9:59 
3 Mbungu 9:47 
4 Maindusa 9:21 
5 Nyako konya 10:18 
6 Suzanna 7:35 
7 Mimba 8:48 
8 Ma lilly 9:28


viernes, 27 de octubre de 2017

Julio Pereira-PraÇa do Comercio (2017) [Portugal]


- Prefacio del DIGIBOOK - PLAZA DEL COMERCIO - Rui Vieira Nery
 Reconocimiento y descubrimiento Cuando oigo una nueva grabación de Júlio Pereira tengo una reacción simultánea de reconocimiento y de descubrimiento. Reconocimiento porque hay siempre en ella una firma sonora y estilística inconfundible, como la que sentimos en la viola de Django Reinhardt, en la trompeta de Miles Davis, en el bandoneón de Astor Piazzolla o pase la inmodéstia filial-en la guitarra de Raul Nery. A las primeras notas identificadas caminos sin ninguna duda que es el Júlio que está tocando y eso nos deja desde luego aquella sensación de bienestar que naturalmente tenemos cuando nos cruzamos con un amigo. Sin embargo, descubre que esta fuerte marca individual no se traduce en la mera repetición de fórmulas y clichés ya conocidos pero por el contrario se revela como una constante fuente de nuevas ideas, nuevas preguntas y nuevas respuestas. En cada nueva pieza, aunque el estilo y el propio formato general nos sean familiares, el material temático es siempre sorprendente y transformado de maneras siempre inventivas. Y hay que añadir que el proceso creativo no se agota en la versión grabada. Siempre que oímos una de sus interpretaciones en vivo de cualquiera de las pistas de un álbum su constatamos que el registro fonográfico no era, al final, sino una matriz congelada de cualquier cosa que la presencia de un público en vivo siempre puede retransformar de modo más o menos radical.
Si tuviera que elegir el componente más destacado de la música de Julio Pereira diría sin vacilación que es el ritmo. Una vez más, luego las primeras notas nos agarran con una cadencia rítmica marcada, de aquellas que, como Camilo Castelo Branco decía del Fado en su Eusebio Macario, nos pone, temblores involuntarios en las nalgas. O, en otras palabras, el arranque de cada banda nos precipita en un recorrido cargado de energía que sólo se descarga en los acordes finales, pero esto no tanto por el fuerte ritmo regular acentuado como por un fluido permanente de ideas y soluciones musicales imprevisibles. Me viene a la cabeza otra cita, la de la advertencia que nos hace Bette Davis en el All about Eve: "Apriete los cinturones, muchachos, va a ser una noche accidentada".
 Otro aspecto que me parece de especial interés en esta música es una vez más de otra aparente contradicción entre un sabor intrínsecamente portugués y la diversidad de referencias cosmopolitas que en ella podemos reconocer. Los viras, chulas, hadas y modas de que nos damos cuenta, aunque siempre transformados y reprocesados ​​sin ninguna intención de "autenticidad" folclórica, se cruzan con ecos más o menos alejados de jigas celtas, de choros cariocas, de tibias y de colchas -verdianas, de folksongs anglo-americanas, de bluegrass de los Apalaches, de ritmos de Dixieland o de danzas mediterráneas. Pero el producto final reafirma siempre una postura identitaria en la que instintivamente nos reconocemos y nos gusta que nos reconozcan como portugueses. Como le gustaba decir Miguel Torga: "Lo universal es el local sin paredes".
 Es por eso que por lo menos desde su histórico Cavaquinho, de 1981, que tuvo un impacto tan decisivo en la Música Popular Portuguesa, cada nuevo álbum de Júlio Pereira es, por cierto, un hito importante en el recorrido creativo personal de su creador, pero también una contribución significativa al conjunto de nuestra tradición musical viva, fiel a sus raíces pero constantemente en busca de nuevos caminos y de nuevos diálogos, de identidad y de intercambio intercultural, de viejas raíces y nuevos frutos.

 http://www.juliopereira.pt/pt/BIOGRAFIA/PracaDoComercio.htm

 

01. Voa Cavaquinho
02. Galope do Deserto
03. Comboio Azul
04. Noitada Extravagante
05. Ponte da Barca
06. Palácio das Necessidades
07. Índios da Meia-Praia
08. Dança da Lua Cheia
09. Praça do Comércio
10. The Common Raven
11. Lagoa das Sereias

miércoles, 18 de octubre de 2017

Melanie De Biasio - Lilies



Born to a Belgian mother and an Italian father, Mélanie De Biasio learnt ballet from the age of three, and started playing the Western concert flute at eight. At the age of 12, she joined the Ensemble de l'Harmonie de Charleroi with whom she toured Canada for a month. During her adolescence, she further improved her voice and diction.

Being a fan of groups like Nirvana, she sang and composed in English in a rock band at age 15. She played in several groups before totally setting her mind to jazz with the trio Harmadik Fül. With them, she learnt to improvise while discovering the many facets of music. After three years of singing studies at the Royal Conservatory of Brussels, she was awarded a first prize with a distinction degree. After that, she toured in Russia, in which she gained further professional experience. This is when Steve Houben (Belgian jazz musician and saxophone professor at the Conservatory) asked her to appear in concert with him, allowing her to play in numerous festivals and other large music events in Belgium. +INFO

https://melaniedebiasio.bandcamp.com/album/lilies



1. Your Freedom Is The End Of Me 03:50
2. Gold Junkies 03:19
3. Lilies 04:02
4. Let Me Love You 04:08
5. Sitting In The Stairwell 02:49
6. Brother 03:11
7. Afro Blue 04:33
8. All My Worlds 06:40
9. And My Heart Goes On 06:00

Quantic & Nidia Góngora – Curao

Subido por Marhali.

Curao (2017) significa la culminación de una asociación creativa que ha estado chispeando durante una década, la unión entre el melómano, explorador y nómada sonoro William "Quantic" Holland y la sublime Nidia Góngora, un álbum mágico, tan visceral como espiritual. Una nueva y muy original interpretación de las tradiciones musicales únicas, ricas y místicas de la Región del Pacífico colombiano.

Curao es el lugar en el que se encuentra el sonido ancestral del folclor Pacífico mezclado con sutiles tintes de arreglos electrónicos. Un espacio sonoro donde la marimba de chonta (piano de la selva) se hermana con el downtempo, donde el currulao convive con el dub, donde la chirimía y los aires de drum&bass se cruzan, se mezclan.

En esta creación de 18 canciones está la selva, el río bravo, la lluvia; el arroz con coco, el borojó, los cangrejos, los camarones, el viche; la religión, los arrullos, la redención; la marimba de chonta, los redoblantes, los vientos metálicos. Todo en una descripción que es puro realismo mágico donde se pintan los paisajes del Pacífico profundo. Un viaje a lo ancestral con un sonido moderno en el que queda claro que la unión Quantic-Góngora siempre nos va a traer magia sonora para abstraernos en selvas profundas y místicas.

01. Intro
02. E Ye Ye
03. Que me duele?
04. Dub del Pacifico
05. Interludio I
06. Se lo ví
07. Muévelo Negro
08. Amor en Francia
09. Ojos Vicheros
10. Ñanguita
11. Dios promete
12. Interludio II
13. María no me llevo
14. Interlucio III
15. Un canto a mi tierra
16. No soy del Valle
17. Interludio IV
18. Maldito muchacho

viernes, 13 de octubre de 2017

Criolo - Espiral de Ilusão



Criolo Doido es originario del barrio de Grajaú, (São Paulo). Comenzó a rapear en 1989, pero hasta el inicio de la década de los 2000 era prácticamente desconocido. Trabajó como educador entre 1994 y 2000. En 2006, lanzó su primer álbum de estudio, titulado “Ainda Há Tempo”. Destacan las canciones “RAP é forte”, Morto Vivo, Ainda Há Tempo, Até Me Emocionei (con Bastardo, ex integrante de SNJ) y Chuva Ácida. En ese mismo año fundó la Rinha dos MC's existente hasta hoy. Comprende batallas de freestyle, conciertos semanales, exposiciones de graffitti y fotografías. Al año siguiente, participó en el "Som Brasil Especial" en homenaje a Vinícius de Moraes; y fue nominado al Premio Hutúz en dos categorías: "Grupo ou Artista Solo" (que perdió frente a GOG) y "Revelação" (vencido por U-Time).​ En 2008, recibió el premio "Canción del Año" y "Personalidad del Año" en la cuarta edición del evento "O rap é compromisso".

Al año siguiente, volvió a ser nominado al Prêmio Hutúz en la categoría "Revelaciones de la Década", pero no salió vencedor. Participó en los documentales “Profissão MC”, de Alessandro Buzo y Tony Nogueira; y “Da Luz às Trevas”, de Ney Matogrosso. Para conmemorar sus veinte años de carrera, grabó un DVD en directo en la “Rinha dos MC's”, que fue puesto a la venta en 2010, llamado “Criolo Doido Live in SP”. Al final del año, Criolo lanzó un CD single, con los temas "Grajauex" (homenaje a su barrio) y "Subirusdoistiozin", grabadas en estudio, con la producción de Marcelo Cabral y Daniel Ganjaman y con instrumentos como guitarra, bajo, piano y trompeta, dando indicios de una pequeña modificación de su estilo. Ambas canciones fueron anunciadas como presentes no su próximo álbum, a través del concierto de lanzamiento realizado en la Matilha Cultural. Pocos días después, el videoclip de "Subirusdoistiozin" fue divulgado en internet, con más de 6 minutos de duración.

En 2011 lanzó su segundo disco, “Nó na Orelha” (Nudo en la oreja), gratuitamente a través da internet y abrevió su nombre artístico a "Criolo". En el disco, el cantante diversificó los ritmos de rap con varios otros, como a MPB, funk, soul y blues. Este disco tuvo excelente recepción por la crítica (inclusive extranjera), llevando a Criolo a participar en el programa “Altas Horas” de la “Rede Globo” y a estar en lo alto de los trending topics de twitter. Con el disco, Criolo fue uno de los campeones del Video Music Brasil 2011 de la MTV, en las categorías "Videoclip del Año", con "Subirusdoistiozin", "Artista del Año", "Álbum del Año", con "Nó na Orelha" (venció), "Música del Año" con "Não existe amor em SP" (venció), y como "Banda ou Artista Revelación" (venció). También fue el primer confirmado a actuar en directo durante los premios, donde cantó la canción "Não existe amor em SP" junto a Caetano Veloso.

https://es.wikipedia.org/wiki/Criolo




1. LÁ VEM VOCÊ
2. DILÚVIO DE SOLIDÃO
3. MENINO MIMADO
4. NAS ÁGUAS
5. FILHA DO MANECO
6. ESPIRAL DE ILUSÃO
7. CALÇADA
8. BOCA FOFA
9. HORA DA DECISÃO
10. CRIA DE FAVELA

domingo, 1 de octubre de 2017

Carmen Souza - Creology (2017)


Carmen Souza y Theo Pascal vuelven a la carretera con Creology, doce historias musicalizadas en las que no falta el jazz, seña de identidad de la pareja artística. El nuevo trabajo bebe del proyecto African Railway donde Souza y Pascal se unen con el percusionista mozambiqueño Elias Kacomanolis para recorrer musicalmente las antiguas colonias portuguesas en África.
Creology tiene varios significados; uno lingüístico, que es el estudio de las lenguas criollas, y otro filosófico que viene de la palabra crear, pero con el razonamiento del logos griego. También tiene relación con mezclar influencias nuevas con tradiciones antiguas, algo que para nosotros es muy importante”, explica la lisboeta de ascendencia caboverdiana Carmen Souza.
Fuente: http://www.wiriko.org/wiriko/carmen-souza-creology/
Visita su Web: http://www.carmensouza.com/

Personal – Carmen Souza: lead vocals, acoustic piano and guitar; Theo Pascal: double bass, electric bass, percussion and background vocals; Elias Kacomanolis: drums, percussion and background vocals; Featured Guest – Zoe Pascal: drums and percussion.

1: Ligria; 2: Senhorinha; 3: Upa Neguinho; 4: Pretty Eyes; 5: Mon di Deus; 6: Xinxiroti; 7: Tud Tem 1 Razão; 8: London Light; 9: Kem Ka Tem Cabeca; 10: Homem Musica; 11: Escuta Moçambique; 12: Creology.


Seun Kuti & Egypt 80 (2008-2014) 3 CD´s



Oluseun Anikulapo Kuti (born 11 January 1983, Lagos, Nigeria ), commonly known as Seun Kuti , is a Nigerian musician , and the youngest son of legendary afrobeat pioneer Fela Kuti . Seun leads his father's former band Egypt 80 .

Seun and his brother Femi are the two commercially successful musical offspring of the late Nigerian afrobeat innovator Fela Kuti. Seun has one younger sister who used to sing in his band. At the age of nine Seun expressed the wish to sing to his father. [ citation needed ] A short while later Seun started performing with his father and the band. Since then, Seun has followed the political and social ethos of his father.

After Fela had died in 1997, Seun, then only 14 years old, became the lead singer of Egypt 80. While in school Seun had to choose between a career in music and one in African Football. His 2008 debut album, Many Things , was produced by Martin Meissonnier , who had already produced two albums for his father.

About three quarters of the current Egypt 80 line-up consists of musicians that not only played with Fela Kuti , but often were arrested and harassed alongside the founder of the Afrobeat movement. Live sets consist of both new material and originals from Seun's father. Since during his lifetime, Fela Kuti had never performed any songs live on stage which he had recorded in the studio, this is the first chance for many long-time fans to enjoy classics like Shuffering and Shmiling , Colonial Mentality and Army Arrangement in a live setting. A new studio album called From Africa with Fury: Rise was released on 5 April 2011. It was recorded in London, produced by Brian Eno , John Reynolds and Seun himself.

Seun Kuti is featured in Calle 13 's song "Todo se mueve" (Everything Moves), on their 2010 album Entren los que quieran.

He participated actively in the Occupy Nigeria protests against the fuel subsidy removal policy of President Goodluck Jonathan in his native Nigeria, in January 2012. Seun Kuti is an atheist.


Many Things





1 Think Africa 6:49
2 Don't Give That Shit To Me 9:21
3 Many Things 8:01
4 Fire Dance 8:09
5 Mosquito Song 7:23
6 Na Oil 8:09
7 African Problems 5:01

From Africa With Fury: Rise 





1 African Soldier 5:16 
2 You Can Run 5:37 
3 Mr. Big Thief 7:38 
4 Rise 7:05 
5 Slave Masters 7:45 
6 From Dem Eye 6:56 
7 The Good Leaf 6:12


A Long Way To The Beginning




1 IMF 5:00 
2 African Airways 5:12 
3 Higher Conciousness 7:34 
4 Ohun Aiye 5:17 
5 Kalakuta Boy 6:40 
6 African Smoke 6:49 
7 Black Woman 8:52

sábado, 30 de septiembre de 2017

Vieux Farka Touré - Samba (2017) [Mali]






Cuando los productores de Woodstock Sessions, una serie de grabación híbrida / en vivo en Saugerties, NY, pidieron al guitarrista y vocalista maliense Vieux Farka Touré que se detuviera en 2015, no tenía suficiente tiempo para hacerlo realidad. Intrigado, prometió regresar al año siguiente. Cumpliendo su palabra, el resultado de esa increíble sesión es ahora el nuevo álbum de Touré, Samba.

Las diez canciones de Samba son nuevas. Dada la natural curiosidad musical de Touré, la mezcla de blues maliense y canciones de alabanza, funk, reggae y rock hacen de éste su esfuerzo más maduro y redondeado hasta la fecha. El elemento en vivo, donde Touré se destaca como intérprete, brilla en todas las pistas, aunque la banda se detuvo cuando querían cambiar algo. Este no fue su rendimiento promedio.

"No fue una sesión de estudio regular ni un concierto", dice Touré. "Estaba en algún punto intermedio. Estábamos grabando el álbum, pero teníamos una audiencia de unas cincuenta personas en la sala con nosotros. La audiencia entendió que era para presenciar el proceso de grabación de un álbum, no para presentar un concierto en un estudio, lo cual fue algo muy bueno porque tuvimos la energía de un concierto en vivo con la calidad de una grabación de estudio. Fue una idea interesante, pero yo no sabía cómo iba a ir. Afortunadamente todo fue perfecto. Hubo un gran ambiente allí para la sesión y pudimos capturar esta energía única para el álbum ".

Los fans de Touré se regocijarán por la calidad y la energía de este fantástico disco. Sus solos son excepcionales. Los surcos hipnóticos que su banda crea le permiten soltarse con una sensación de facilidad y gracia.

Samba significa "segundo nacido", su lugar en su familia, que por supuesto fue al legendario artista malí Ali Farka Touré. Mientras que muchas culturas conceden la posición principal de una familia al primogénito, es el segundo niño que a menudo se confiere con el poder en la tradición de Touré. "Samba es uno que nunca se rompe, que nunca corre de amenazas, que no tiene miedo", dice Touré. "Se dice que Samba es bendecido con buena suerte."

En los últimos meses, Touré ha viajado por Australia y China para difundir su enérgica y magnífica evolución del blues maliano. Ahora está regresando a donde construyó su nombre, con giras en los Estados Unidos y Europa planeadas para 2017.




 

jueves, 21 de septiembre de 2017

Meïkhâneh - La Silencieuse



Pour son deuxième album, La Silencieuse, le trio Meïkhâneh, composé de Maria Laurent au chant, Johanni Curtet à la guitare, dombra et chant diphonique, Milad Pasta aux percussions iraniennes, s'est entouré de trois invités : Bijan Chemirani aux luths tzouras, saz et percussions additionnelles, Uuganbaatar Tsend-Ochir (Egschiglen) à la grande vièle cheval mongole ikh khuur et Martin Coudroy à l'accordéon diatonique. Les compositions de Meïkhâneh sont nourries d'imaginaire, d'improvisations, et de musiques traditionnelles d'Europe, de Mongolie et d'Iran. Les voix, lumineuses et envoutantes, portent la puissance des chants d'Europe de l'Est, les mélodies aériennes des grands espaces, et la profondeur des chants diphoniques mongols. On y entend des cordes voyageuses rappelant les steppes d'Asie et l'Andalousie. Les rythmes ciselés des percussions puisent dans la tradition persane. Meïkhâneh nous emmène au cœur d'une musique sans frontières qui caresse l'âme. Son nom emprunté à la poésie persane signifie la « maison de l'ivresse ». On se laisse porter…

Meikhaneh is a group based in France, but their repertoire originates from other world regions.The group incorporates a little Central Asian throat-singing on «Jaran tsagaan aduu.» Maria Laurent's sweet vocals and her stately morin khuur (horse-head fiddle) combines to form a unique blend of vocal and instrumental music. Maria is joined by Johanni Curtet on guitar, dombra, various chants, as well as Milad Pasta on tombak, daf, and udu drum.





1 Silencia  5:27 
2 Talyn Thème  7:20 
3 Eszmélet 3:52 
4 Uulyn Nulims 5:35 
5 Khan Khökhii  5:01 
6 Pluies  6:43 
7 Ayalakhui  4:39 
8 L'avion est annulé  4:42 
9 Ayari 5:47 
10 Gham Makhor  6:23 
11 Vinha do Sul  4:08

sábado, 16 de septiembre de 2017

Rio Mira - Marimba Del Pacifico



En 2014, los impulsos creativos del productor colombiano Iván Benavides se juntaron con los del ecuatoriano Ivis Flies. El resultado fue Río Mira, un super grupo de all stars que incluía músicos del Pacífico colombiano y ecuatoriano y que justamente lleva el nombre del río que comparten ambas naciones, que nace en Imbabura, Ecuador y termina en Nariño, Colombia.

Lo que hace tres años se formó como una idea, compartió territorio y exploró la sonoridad de una geografía mutua particular, hoy recibe de manera célebre los frutos de su trabajo materializado en un disco de 12 canciones publicado por AYA Records y bautizado de manera minimalista, pero acertada, Marimba del Pacífico: un título que encierra mucho más que un instrumento y un lugar en el mapa, la columna vertebral y la inspiración de más de una decena de músicos que hicieron parte del proceso, entre ellos Esteban Copete, Karla Kanora, Hugo Quiñonez, Larry Preciado y Eduardo Martínez entre otros.

Marimba del Pacífico bien podría entenderse como una antología de historias nacidas la tradición oral que habitan en ambos territorios que fueron inmortalizadas musicalmente, como si se tratara de fotografías, retratos de esos paisajes encantadores. Es un disco a veces selvático místico y otras veces fiestero reivindicador. Canciones como 'Adiós Morena', estándar del folclor Pacífico colombiano, 'Agua', 'Rconca Canalete' y 'Estaban llorando', se presentan como un lamento en forma de arrullo, de momentos y vivencias que están ahí, formando el paisaje más melancólico, mientras que 'Guarapo', 'Patacore', 'Torbellino' y 'Adarele Andarele', representan el espíritu más fiestero y frenético de ambas naciones. Y un par de temas como 'Aguacerito' que hace las veces de interludio cobijador y 'Chicungunya' que cierra el disco con otra más de las de esas narraciones vivenciales en el territorio.

En definitiva, es un disco que celebra a la marimba de chonta y el piano de la selva como la herramienta para contar y hermanar dos naciones a través de la música en una creación magnífica.

https://ayarecords.bandcamp.com/album/marimba-del-pacifico

https://noisey.vice.com/es_co/article/nev5k7/marimba-del-pacifico-rio-mira-aya-records-2017

Msafiri Zawose - Uhamiaji



Tanzania’s Msafiri Zawose has been one of the biggest slept-on musical forces from the region. That’s about to change with the imminent arrival of a new album that will redefine the boundaries of gogo music.

The Wagogo people are his traditionally nomadic tribe from the center of Tanzania, known for their musicality and made famous by Hukwe Zawose - Msafiri’s father, who toured the world as a part of Peter Gabriel’s Real World roster in the 80s and 90s. Working with Santuri East Africa, the much respected platform that has been responsible for some of the most interesting collaborations coming out of East Africa in recent years, the son continues his eminent father’s journey.

In August 2016, Santuri traveled to Bagamoyo on the Tanzanian coast with SoundThread’s Sam Jones, whose recent works with Orlando Julius and remixes for Mugwsia International and Sarabi have been rapturously received.

Laying down the foundations of the album over two weeks, Zawose and Jones developed a working relationship that was highly charged - their mutual respect for each others talents allowing them to work through difficult periods - hewing the raw materials into the hypnotic, revelatory material shared here. The process was never easy, but Msafiri was driven to explore new forms for traditional music, much as his father had with 2002’s experimental collaboration with ambient / electronica producer Michael Brook on the album Assembly.

The tracks assembled here have been created within a deeply collaborative process, primarily in person, and then via endless back and forth online between Jones’ studio in London and Zawose’s compound in Bagamoyo. Set to be completed in London in November when Msafiri visits the UK, the music here remains profoundly gogo, but is infused with a organic electronic aesthetic brought about by Jones’ exceptional production and feeling for textures. The tracks give off a borderless feeling, soaking up influences from across the globe - an afro-futurist journey that takes in dub, balearic, ambient and electronic vibrations alongside Zawose’s hypnotic playing and emotive, plaintive vocals.

https://d3kdsn8w8659vg.cloudfront.net/Media/Sample/SWR_RE_128/NzalaUrugu.mp3

  1. "Nzala Urugu"
  2. "Pole Pole"
  3. "Chibitenyi"
  4. "Nosaga"
  5. "Kunyemo"
  6. "Mbeleko"
  7. "Tamaduni"
  8. "Tusife Majanga"
  9. "Mazingira"
  10. "Mdara"
  11. "Mashariki Ya Mbali"
  12. "Malugaro"
  13. "Hali Halisi"

Trio Da Kali and Kronos Quartet - Ladilikan



You take a trio of the finest traditional griot musicians from Mali and put them in the studio with a revolutionary Western string quartet - and the outcome is one of the most unusual and rewarding musical collaborations you are ever likely to encounter.

Ladilikan, the new album by Trio da Kali and Kronos Quartet represents a landmark in cultural cross-fertilisation which both parties rank among the most satisfying musical experiences in their diverse careers. David Harrington, who founded the Kronos Quartet in 1973, enthuses that the album is “one of the most beautiful Kronos has done in forty years.” On first hearing their griot grooves being played by two violins, viola and cello, Trio da Kali’s Lassana Diabate announced, “This is going to be the best collaboration of my life.” Da Kali means ‘to give a pledge’ – in this case to a musical heritage that dates back to the time of Sunjata Keita, founder of the great Mali empire in the early 13th century. The line-up of balafon (xylophone) bass ngoni (lute) and female singer is also based on ancient tradition, although the trio format and its repertoire is now an endangered species in contemporary Malian music.

All three Da Kali members come from hereditary musical families, and were brought together as a griot super group by Dr Lucy Duran. Balafon player and musical director Lassana Diabaté was a long-time member of Toumani Diabate’s Symmetric Orchestra and has recorded with Salif Keita, Taj Mahal and many others. A musician of great subtlety and invention he has honed a virtuoso two-balafon technique to perfection. Bass ngoni player Mamadou Kouyaté is the eldest son of the instrument’s greatest exponent, Bassekou Kouyaté and he holds down the groove in his father’s band ‘Ngoni ba’. He is also involved in the thriving Bamako hip-hop scene. Singer Hawa ‘Kassé Mady’ Diabate is the daughter of Mali’s greatest traditional singer, Kassé Mady Diabate, and the power, range and phrasing of her voice led David Harrington to compare her to the late queen of American gospel, Mahalia Jackson.

The Kronos Quartet – David Harrington and John Sherba on violins, Hank Dutt on viola, and cellist Sunny Yang - have built an enviable reputation as the world’s most adventurous string quartet. Known for their commitment to continually re-imagining the string quartet experience Kronos have released over 50 records of extraordinary breadth and creativity and they are no strangers to collaborations with some of the world’s foremost composers and artists. Combining the spirit of fearless exploration with expert craftsmanship and skill, Trio Da Kali’s original repertoire has been taken on a fascinating journey, giving a new voice to timeless sounds.




  1. Tita
  2. Kanimba
  3. Eh Ya Ye
  4. Garaba Mama
  5. God Shall Wipe All Tears Away
  6. Samuel
  7. Lila Bambo
  8. Kene Bo
  9. Ladilikan
  10. Sunjata




domingo, 10 de septiembre de 2017

Oumou Sangaré - Mogoya



Oumou Sangaré est née le 2 Février 1968 à Bamako, capitale du Mali. Elle est la fille cadette d'une famille Peul originaire de la région forestière du Wassoulou. Enfant, elle a très peu connu son père, Dari Sangaré, qui a quitté le foyer familial quand elle avait deux ans. Abandonnée, sa mère Aminata Diakité se fait commerçante pour faire vivre ses quatre enfants. Oumou lui vient en aide en vendant des petits sachets d'eau potable dans les rues de Bamako. Elle a cinq ans quand son don pour le chant en fait une véritable attraction dans son quartier, elle s'attire la gloire lors d'un concours interscolaire où elle fait gagner son école maternelle du quartier Daoudabougou.

À 18 ans, Oumou a déjà une longue carrière professionnelle derrière elle. Chanteuse très sollicitée pour les «soumous » (cérémonies nuptiales et baptismales), elle est passée par l'Ensemble National du Mali, a tourné en Europe avec le groupe Djoliba et s'apprête à enregistrer à Abidjan sa première cassette produite par Abdoulaye Samassa. La cassette intitulée Moussolou (les femmes) se vend à plus de 250 000 exemplaires, record inégalé à ce jour en Afrique de l'Oues

Mogoya, su primer álbum desde 2009, marca su gran retorno a la canción. Oumou habla de lo que ella conoce mejor, a saber, las relaciones humanas (Mogoya puede traducirse como "las relaciones humanas de hoy"). Oumou explica los problemas específicos que enfrentan diariamente las mujeres africanas, sus relaciones a menudo difíciles con el mundo de los hombres. "Cuando empecé mi carrera sólo tenía una idea en mente: vengar a mi madre" nos dice la que hoy en Minata Waraba (Aminata la leona) hace un homenaje chocante a esta madre habiendo mostrado ante las pruebas un valor ejemplar cuya hija siempre se ha inspirado. Después de haber sufrido heridas infantiles entre los más crueles - el abandono del padre, la miseria extrema - Oumou debe hoy protegerse de los males que la notoriedad le atrae: los celos, la calumnia, la ingratitud, la traición. Mogoya expresa el paso de la música, especialmente en canciones como Bena Bena y Kounkoun, donde invita a no hundirse en el resentimiento. En Yere Faga, aborda con una franqueza impresionante uno de los flagelos de la sociedad maliense moderna, el suicidio.



1. Bena Bena
2. Yere Faga feat. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya


sábado, 9 de septiembre de 2017

Meridian Brothers - ¿Dónde Estás María?



Cuando tocan en vivo, los Meridian Brothers son de cinco piezas. Pero en el estudio, sólo un hombre crea su sonido distintivo. Con sede en Bogotá, Colombia, Eblis Álvarez es un compositor, multi-instrumentista y cantante con una toma muy personal en la escena musical latina. Describe este conjunto sencillo y peculiar como "una especie de viaje desde Argentina hasta México", y utiliza los variados ritmos de América Latina como punto de partida.

Hay de todo aquí desde la cumbia hasta el reggaetón y los huaynos andinos, en una fusión siempre cambiante en la que la insistente percusión se compara con la electrónica, las guitarras y la improbable adición de cuerdas, con el uso prominente del violonchelo. Su trabajo vocal puede no ser nada extraordinario, pero desde la fugaz canción de apertura de la Cumbia, Eres La Cumbia, este es un álbum que tiene éxito porque es melodioso, inteligente y divertido.

https://www.theguardian.com/music/2017/sep/07/meridian-brothers-donde-estas-maria-review-tuneful-journey-from-argentina-to-mexico

https://soundwayrecords.officialstore.co.uk/Shop/DownloadDetails?rid=SWR_RE_127

https://meridianbrothers.bandcamp.com/album/d-nde-est-s-mar-a


1 ¿Dónde Estás María?
2 Canto Me Levantó
3 Yo Soy Tu Padre, Yo Te Fabriqué
4 Entra El Ritmo Antillano
5 Háblame Amigo, Citadino
6 Cumbia, Eres La Cumbia
7 Como Estoy En Los Sesenta
8 Estaré Alegre, No Estaré Triste
9 Él No Está Muerto
10 No Me Traiciones


viernes, 8 de septiembre de 2017

Ifriqiyya Electrique - Rûwâhîne


Sufi trance musicians and rituals – from the depths of the Tunisian desert – in conversation with post-industrial sonics.

‘No theatre or stage or audience. The rûwâhîne have possessed and contorted the bodies of the Banga. Teenagers leap to the floor, their legs arched and tense, glaring transfixed [while] girls dance wildly, … accelerating the rhythm of the hand percussion’



‘This is, then, most certainly not a “world music” project (still less an ethnomusicological one), but a wild process of improvisation and re-composition that brings traditional instruments face to face with computers and electric guitars… [My work] is driven towards elevation, sweat, blood, poetry and tears – not to some pretty colour postcard’ — François R. Cambuzat / Ifriqiyya Electrique





1. Laa la illa Allah 02:49 
2. Qaadrii - Salaam Alaik - Massarh 07:32 
3. Mawwel 01:09 
4. Zuru el Haadi - El Maduulaa - Maaluuma 06:34 
5. Stombali - Baba ‘Alaia 03:39 
6. Annabi Mohammad - Laa la illa Allah - Deg el bendir 09:15 
7. Lavo - Baba Marzug - Sidi Saad - Allah 04:46 
8. Arrah arrah abbaina - Bahari - Tenouiba 05:42 
9. Sidriiya 02:05

Ariwo - Ariwo


Ariwo es un cuarteto cubano / iraní, centrado en la intersección inexplorada entre música folclórica electrónica y afrocubana. La banda combina la energía cruda de la rumba cubana con la profunda melancolía de la música electrónica iraníLa palabra Ariwo significa "ruido" en Yoruba. El nombre fue seleccionado para subrayar el énfasis de la banda en el sonido y su deseo de combinar los ritmos tradicionales en una actuación electrónica en vivo que desafía las percepciones de la música ancestral y conecta diversas culturas de todo el mundo.La banda está compuesta por el compositor electrónico iraní Pouya Ehsaei y tres de los músicos cubanos más influyentes de Londres: Oreste Noda, Yelfris Valdés y Maestro y Hammadi Valdés / Irakere]. Pouya procesa sus instrumentos vivos mientras crea paisajes sonoros y ritmos hipnóticos que influyen en la música folclórica de Cuba y su ciudad natal de Teherán.



1. To Earth 13:50
2. Caldera 09:20
3. Alafin 10:21
4. Gahambar 11:27

miércoles, 6 de septiembre de 2017

Tony Allen -The Source



Drum legend Tony Allen has seen a childhood dream come true. He even says that when he made The Source (his debut album for Blue Note Records), it was the best recording in his whole life. Coming from Allen, that’s not a casual statement: he is 76 years old and his career goes back 50 years, not to mention recordings by the hundred. The saxophonist Yann Jankielewicz, who has been playing alongside him for nearly a decade, observes: “Tony has never played drums as well as this. He's never had as much freedom, never had as much power as he does today.”

The Source is the Nigerian-born Paris-based drummer's first full-length album for Blue Note, following the tantalizing 4-track EP release A Tribute to Art Blakey and the Jazz Messengers. Blue Note is one of the most prestigious names in jazz and a label that has opened its sphere of creativity considerably wider since its renaissance in the 1980s. The Source manages to represent the label's classic era at the same time as it symbolizes Blue Note's innovative present. The jazz here navigates its way back to the source in Africa, creating a sound that is totally captivating.

The best albums always tell a story. This one takes us back to the source of Allen's art as a musician, in other words, to Nigeria in the latter half of the 20th century. Tony Oladipo Allen, who was born in Lagos in 1940, never played a traditional instrument: right from the beginning, his interest was for a distant relative of the ancestral percussion family, namely, the drum kit. He taught himself, serving his apprenticeship while working as a technician for Nigerian national radio, all the time listening to records by American masters such as Art Blakey, Max Roach and Kenny Clarke, the eminent drummers of the bebop and hard bop eras.

His life changed totally in 1964 when he made the acquaintance of Fela Kuti, whom he would accompany for the next 15 years, first with Fela's Koola Lobitos, an emblematic highlife band that was a model for all modern African music groups, and then when Fela led Africa 70, for which he developed a new music language: Afrobeat, which combined Yoruba rhythms and funk instruments with themes of revolution. Alongside Fela, Tony recorded some 20 albums and put his rhythm-signature to each of them. From then on, Afrobeat would propel a career that saw him pursue his own projects while collaborating with everyone from Oumou Sangare to Damon Albarn (in The Good, The Bad & The Queen).

In early 2017, Tony began preparing The Source, the next step in the musical and spiritual voyage that he has undertaken from Africa to America and beyond. To share writing tasks and take care of the arrangements, he called on Jankielewicz, with whom he has worked since 2009 and the album Secret Agent. They began by getting together to listen to and exchange their favorite records: Lester Bowie, Charles Mingus, Art Blakey, Gil Evans… albums that served as a compass to guide them on their way, as if they were navigators of old scrutinizing a constellation.

“Tony belongs to those musician-architects who know how to build on a drum pattern with rare precision,” says Jankielewicz. “He can hear every instrument before it makes a sound.” This particular architect's worksite was the Midilive studio (Vogue's former recording facility), whose walls in the suburbs of Paris contain equipment that is purely analog. It’s a rare studio, and it’s worth underlining that the recording went onto tape and, from the sound-take to the mixing and cutting, not a single digital byte was consumed in the process. That goes some way towards explaining the exceptional texture of the sound you hear in the album.

Surrounding Tony are some of the best musicians on a Paris scene that is difficult to call “jazz” due to its highly changeable nature: Jankielewicz alongside saxophonists Rémi Sciuto and Jean-Jacques Elangue, trumpeter Nicolas Giraud, trombonist Daniel Zimmermann, bassist Mathias Allamane, pianist Jean-Philippe Dary, and keyboardist Vincent Taurelle, who produced the album with Bertrand Fresel… a French cast to begin with, but with the addition of guitarist Indy Dibongue from Cameroon who, like Tony, contributes an indispensable African pigment to this palette. 11 excellent players in total would finally deliver The Source, along with one notable guest: Damon Albarn, who adds an ethereal piano part to “Cool Cats.”

The album sparkles in the variety of its timbres and the diversity of its colors. Each of the 11 instrumental tracks—all new originals co-written by Allen and Jankielewicz—bring forward a particular instrument: Giraud's trumpet on “Bad Roads”; the bass of Allamane on “Crusin’”; Dary's piano inside “On Fire,” and Sciuto's bari sax on “Woro Dance.” With “Cool Cats,” it's the turn of Elangue and his tenor, while Zimmerman's trombone is featured on “Wolf Eats Wolf.” And throughout, Tony’s indelible signature, a unique way of hitting skins or a cymbal, its main characteristics a caressing, almost ethereal energy, and a formidable efficiency.

The music on The Source creates its own milieu. It shines like the African sun on “Push & Pull,” becomes contemplative with “Tony’s Blues,” then hypnotic in “Life Is Beautiful,” then dresses in the urban colors of dusk on “Ewajo.” Where is the jazz, where is the Afrobeat, in this insistent swirl of the music? Nobody knows. But nor should we ask the ocean's calm or restless waters to differentiate between currents from the river Niger and those from the Mississippi.





01. Moody Boy 
02. Bad Roads 
03. Cruising 
04. On Fire 
05. Woro Dance
06. Tony’s Blues 
07. Wolf Eats Wolf 
08. Cool Cats 
09. Push And Pull 
10. Ewajo 
11. Life Is Beautiful