martes, 17 de abril de 2018

KORA JAZZ TRIO - PART IV (2018)






A pesar de los evidentes vínculos históricos entre el jazz y la música tradicional africana, pocos proyectos logran la fusión de estas músicas .... Un pionero del género, el Kora Jazz Trio regresa con un sexto álbum creado por el ecléctico Eric Legnini.

Éste sublima las composiciones del pianista Abdoulaye Diabaté, así como las bellísimas interpretaciones de los estándares que son Via Conme de Paolo Conté, Sodade inmortalizada por Cesaria Evora y Moanin 'of the Jazz Messengers of Art Blakey.

Para esta Parte IV del Kora Jazz Trio, el Kora ha sido confiado a todos los encuentros musicales habituales: Cherif Soumano (Dee Dee Bridgewater, Tiken Jah Fakoli, World Kora trio, ...) y para mejorar el repertorio añadir según las canciones, el canto de Woz Kali, el contrabajo de Manu Marches, la percusión de Boris Caicedo, el balafón de Adama Condé y la guitarra de Hervé Morisot (Sodade).



 01. DJANFFA (Chérif Soumano) 3’46
02. SIRAGNAN – FAIN (Abdoulaye Diabaté) 4’21
03. VIA CON ME (Paolo Conte) 3’46
04. FAYDA (Abdoulaye Diabaté, Woz Kali) 6’03
05. BOURAMA (Abdoulaye Diabaté) 4’38
06. MOANIN’ (Bobby Timmons) 4’33
07. KEBA – DJITO (Abdoulaye Diabaté) 4’36
08. SODADE (Luis Morais) 6’23
09. ALA – LAKO (Abdoulaye Diabaté) 4’58
10. KORA YA ME VOY (Abdoulaye Diabaté) 5’41
11. MITOHA SONG (Abdoulaye Diabaté) 4’50


ABDOULAYE DIABATÉ – Piano, composition, arrangements
CHERIF SOUMANO – Kora
MOUSSA SISSOKHO – Congos, bongo, calebasse, cymbales, tama
MANU MARCHES – Contrebasse
ADAMA CONDE – Balafon
BORIS CAICEDO – Timbales, shaker, bongo, chekeré, cloche, claves
WOZ KALI – Vocal (04)
HERVÉ MORISOT – Guitare (08)

domingo, 8 de abril de 2018

A Hawk and A Hacksaw - Forest Bathing (2018) [USA]






A Hawk and A Hacksaw comenzó en 2000 en la pequeña ciudad de Saumur, Francia. Inicialmente, un vehículo solo para el baterista del Hotel Neutral Milk Jeremy Barnes, el ímpetu principal del proyecto fue enfocarse en las áreas grises en las fronteras de la música y la geografía. El primer álbum fue lanzado en 2002 por Cloud Recordings. Barnes conoció a la violinista Heather Trost en 2004 y la banda se convirtió en un dúo. Desde entonces, la pareja ha lanzado seis álbumes y realizado giras por todo el mundo. Han aprendido y colaborado con algunos de los grandes.

En los últimos años, la banda se ha centrado en la grabación, componiendo la banda sonora de un exitoso programa de televisión albanés llamado Skanderbeg y el videojuego Forest of Sleep. Recientemente también completaron una partitura para un nuevo corto del aclamado cineasta Peter Strickland (Berberian Sound Studio, The Duke of Burgundy). También fueron presentados, junto con Bartók y Ligeti, para una noche de música de arte de Europa del Este en el Queen Elizabeth Hall en Londres. La Orquesta de Conciertos de la BBC interpretó las composiciones originales y los arreglos populares de AHAAH junto con la banda.

Forest Bathing, el nuevo álbum, presenta diez composiciones originales. El Persian Santur, un antiguo tipo de dulcimer golpeado con palos, y ejecutado por Barnes, es un componente que se combina con el violín de Trost, que se eleva y se sumerge. El dúo toca casi todos los instrumentos, pero tiene algunos maravillosos músicos invitados en algunos temas: el clarinetista turco Cüneyt Sepetçi, el maestro húngaro Cimbalom Unger Balász, el trompetista de Chicago Sam Johnson, quien a menudo gira con el grupo, el guitarrista de Deerhoof John Dieterich y el bajista de Nuevo México. Noah Martinez de la banda Lone Piñon.



 A1 Alexandria 4:56
A2 A Broken Road Lined With Poplar Trees 3:16
A3 A Song For Old People, A Song For Young People 3:05
A4 The Shepherd Dogs Are Calling
Clarinet – Cüneyt SepetçiTenor Saxophone – Chris Ogden (2)3:41
A5 Night Sneaker
Cimbalom – Unger Balász*Double Bass – Noah Martinez1:38
B6 The Magic Spring
Guitar – John Dieterich3:07
B7 The Sky Is Blue, The Desert Is Yellow 4:22
B8 Babayaga
Cimbalom – Unger Balász*Double Bass – Noah Martinez1:48
B9 The Washing Bear
Clarinet – Cüneyt Sepetçi2:19
B10 Bayati Maqam
Clarinet – Cüneyt Sepetçi5:26


Bonga - Angola 72



José Adelino Barceló de Carvalho (nacido el 5 de septiembre de 1942 en Kipiri, Angola), mejor conocido como Bonga , es un cantante y compositor de folk y samba de Angola

José Adelino Barceló de Carvalho nació en la provincia de Bengo , y dejó Angola cuando tenía 23 años para convertirse en atleta , convirtiéndose en el récord portugués de los 400 metros (Angola era en ese momento una de las cinco colonias africanas de Portugal ). Él ya había comenzado su carrera de cantante a la edad de 15 años.

Carvalho abandonó el atletismo en 1972, concentrándose únicamente en su música, e inmediatamente se hizo famoso en su natal Angola, así como también en Portugal . Después de la Revolución de los claveles en abril de 1974, se convertiría en un éxito tanto para los inmigrantes de las antiguas colonias portuguesas como para los portugueses de origen africano y europeo.

Ha lanzado más de 30 álbumes, cantando en portugués y en idiomas angoleños tradicionales. Sus pistas son una mezcla de sonidos populares portugueses, semba , kizomba y elementos latinos .
https://en.wikipedia.org/wiki/Bonga_(musician)

 


A1 Uengi Diá Ngolá
A2 Balumukeno
A3 Ku Tando
A4 Mona Ki Ngi Xiça
A5 Kilumba Diá Ngolá
B1 Muadiakime
B2 Luanda Nbolo
B3 Mu Nhango
B4 Paxi Ni Ngongo
B5 Muimbo Uá Sabalu


sábado, 7 de abril de 2018

Ebo Taylor - Yen Ara (2018) [Ghana]






La leyenda ghanesa Ebo Taylor regresa con quizás su mejor álbum hasta la fecha. Pero no tome nuestra palabra para eso. Eso viene directamente del hombre mismo. Y él debería saber después de más de 60 años en el negocio.

Escucha a Yen Ara y no solo escucharás las influencias afrobeat, sweet highlife, jazz y konkoma de alta energía por las que es famoso. También hay un pulso disco y un fuerte percusión en las pistas, producido por Justin Adams (Tinariwen, Rachid Taha, Robert Plant) y grabado en la sala de Electric Monkey Studio en Amsterdam. Un Ebo Taylor para estos tiempos, se podría decir.

Su grupo, SaltPod City Band, son todos músicos locales escogidos que presentan a dos de sus hijos. Una alineación adecuada en un álbum cuyos títulos significan "nosotros". Y están en buena forma, rasgando pistas como 'Krumandey' (un iniciador de la fiesta seguro) y 'Mind Your Own Business' (un mensaje simple entregado sobre un frenético ritmo de batería).
Por otra parte, 'Aboa Kyirbin' complacerá a los fanáticos de los afrobeat grooves, mientras que Taylor podría estar incitando disturbios en su próximo concierto con 'Mumudey Mumudey', lo escuchamos llamar para 'preshaaah' y nos lleva a una llamada y respuesta como el la trompeta nos lleva más arriba. Y la elevación de esos cuernos en 'Ankoma'm' evoca algunos de sus mejores trabajos como 'Love & Death' y 'Come Along', este último grabado con los Pelikans y presentado en una reciente reedición Mr Bongo.



1. Poverty No Good /
2. Mumudey Mumudey /
3. Krumandey /
4. Aboa Kyirbin /
5. Mind Your Own Business /
6. Ankoma'm /
7. Abenkwan Puchaa /
8. Yen Ara /
9. Aba Yaa


sábado, 10 de marzo de 2018

SEMANA DEL PIANO

VIERNES 09/03/2018

Jamie Saft-Solo A Genova









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 SABADO 10/03/2018


Brad Mehldau - After Bach







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 DOMINGO 11/03/2018



Satoko Fujii - Solo







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 LUNES 09/03/2018


Gigi Masin- KITE







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 MARTES09/03/2018


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 MIERCOLES 09/03/2018


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 JUEVES 09/03/2018

viernes, 9 de marzo de 2018

Barcelona Gipsy BalKan Orchestra - Avo Kanto (2018) [España]






La Barcelona Gipsy Balkan Orchestra (BGKO), una consolidada formación internacional de músicos con base en Barcelona, ​​ha captado el interés de audiencias y programadores por toda Europa con sus genuinas reinterpretaciones de la música tradicional de los Balcanes, Oriente medio y el Mediterráneo. Ahora se presenta su cuarto disco, Avo Kanto, la continuación del viaje sonoro iniciado dos años atrás con Del Ebro al Danubio (Satélite K). Avo Kanto significa "las canciones de los abuelos" en esperanto, la única lengua capaz de expresar y dar voz a la diversidad de este grupo compuesto por miembros de procedencia tan diversa. Cada una de las canciones del disco está inspirada en los conciertos, lugares, personas, músicos y momentos que siguen enamorando el grupo cada día: temas tradicionales interpretados lo largo del tiempo, generación tras generación, que guardan en su interior el poder de evocar los sentimientos más profundos del ser humano. Además de los nueve temas que componen el disco, se incluye el bonus track "Lule lule", añadido al disco tras la insistencia del público. La canción, grabada en 2015, se ha remasterizado para la ocasión y es, junto con "Djeli Djeli", una de las señas de identidad del grupo.




1 - Saraiman
2 - Krivo sadovsko horo
3 - Makedonsko devojče
4 - Csi lav tu
5 - Raikos
6 - Livisiani mou perdika
7 - Koje li je doba noći
8 - Betlem
9 - Gallo rojo, gallo negro
10 - Lule Lule
 
flac+covers

martes, 6 de marzo de 2018

Seun Kuti & Egypt 80 - Black Times




Strut presents the new album from the modern day leader of Afrobeat, Seun Kuti. The youngest son of Afrobeat legend Fela Anikulapo Kuti is as incensed by injustice as his father ever was and, with his mighty new album Black Times including features from Carlos Santana and Robert Glasper, he honours the revolutionaries who have gone before and rallies the torch-bearers to come.

Black Times is the fourth album by Seun and Egypt 80, the extraordinary dance orchestra created by Fela Kuti as a conduit for the common people. Inherited by the 14-year- old Seun in 1997, the younger Kuti has been building to this, his most accomplished and honest album yet. “Black Times is a true reflection of my political and social beliefs,” says the singer, bandleader and musician, 34. “It is an album for anybody who believes in change and understands the duty we have to rise up and come together. The elites always try to divide the working class and the poor people of the world. The same oppression felt by workers in Flint, Michigan is felt by workers in Lagos and Johannesburg.”
https://seunkutiegypt80.bandcamp.com/album/black-times





1 - Last Revolutionary
2 - Black Times ft Carlos Santana
3 - Corporate Public Control Department (CPCD)
4 - Kuku Kee Me
5 - Bad Man Lighter
6 - African Dreams
7 - Struggle Sounds
8 - Theory of Goat And Yam

domingo, 4 de marzo de 2018

Genticorum - La Bibournoise



Genticorum ( / dʒ ɒ n t ː r ʌ m / john-tee-cuh- RUM ) es un popular trío musical quebequés tradicional con sede en Montreal, Quebec , Canadá. Los miembros son Pascal Gemme ( violín y voz), Yann Falquet (guitarra, arpa de mandíbula y voz) y Nicholas Williams ( flauta de madera , acordeón), en sustitución de Alexandre de Grosbois-Garand ( flauta de madera , bajo y voz). Cada miembro adicionalmente proporciona percusión por obstrucción . La banda se formó en el otoño de 2000, y desde 2011, han lanzado cuatro álbumes en Roues Et Archets, un sello discográfico independiente .

Genticorum fusiona la composición moderna y los elementos del folk clásico y la música celta . Sus partituras son originales, en gran medida basadas en el repertorio de violines de Gemme, mientras que sus letras son a menudo tradicionales.
https://en.wikipedia.org/wiki/Genticorum




1 La Ligue du Vieux Poêle / La Grondeuse Opossum 4:07
2 La Bibournoise 4:37
3 Le Vingt d'Avril 4:40
4 Le Brandy Culotté 5:54
5 Le Moine Blanc 4:03
6 Hommage à André Alain / La Gigue à Pierre Chartrand 7:44
7 Les Remon 4:42
8 J'y vas mon train 4:17
9 Pinson et Cendrouille 4:05
10 Valse Beaulieu 4:10
11 Les Culottes de v'lour 5:15
12 Le Pommeau 4:18


sábado, 3 de marzo de 2018

Tal National - Tantabara




Cuando Tal National alcanzó la aclamación internacional con el 'Kaani' de 2013, el primer lanzamiento de la banda fuera de Níger, pasaron más de una década atravesando su país natal, generalmente en caminos de tierra a través del Sahara, tocando sets épicos de cinco horas, siete días a la semana, vendiendo sus CD en las esquinas y rotondas. En el proceso, se convirtieron en la banda más popular de Níger, con canciones constantemente criticadas en la televisión nacional y teléfonos celulares en todas partes. Tras el lanzamiento de 'Kaani' de FatCat, el público y los críticos occidentales rápidamente adoptaron el sonido singular y finamente afinado de la banda. NPR fue golpeado por "la rigidez de la banda y la energía ardiente"; The Guardian elogió "su enfoque de inclinación total e intensidad hipnótica"; mientras que Songlines escribió sobre "un sonido rico e híbrido que se basa en elementos familiares del oeste de África para crear algo gratificantemente fresco y diferente". FatCat lanzó la deslumbrante continuación, 'Zoy Zoy', el 13 de abril de 2015, una vez más con gran aclamación crítica, con gritos de Pitchfork, Uncut, Afropop Worldwide, FADER, The Quietus y una portada en fRoots. Con cada amontonamiento de elogios, todos parecían hacer eco de la evaluación de NPR de que "¡No hay forma de que no bailes con este!".
 
Preparándose para su tercer álbum para FatCat, Tal National rememora un período fértil en el que perfeccionó su sonido y recorrió los EE. UU. Varias veces, dejando al público sudado y aturdido una y otra vez. Han establecido sets increíbles en WOMAD y Roskilde, trayendo la misma intensidad y júbilo al festival como lo harían con un club abarrotado, convirtiendo al wallflower más acérrimo en un bailarín por la noche. En su esencia, esa es la intención de Tal National, hacer bailar a la gente. Con el nuevo álbum 'Tantabara' (con vencimiento en febrero de 2018) la banda continúa su búsqueda en curso para traducir esa energía a cinta, embotellando la fiesta para uso personal.
 
Níger tiene fronteras con Nigeria, Malí y Ghana. Dentro de esta antigua colonia francesa se encuentran poblaciones Songhai, Fulani, Hausa y Tuareg, todas ellas representadas en la membresía de Tal National. Como tal, la nación disfruta de una mezcla muy variada de culturas y etnias, todas ricamente impregnadas de música. No es extraño a las músicas highlife, kora y afrobeat, mientras le da al mundo Tuareg Blues y una marca única de hip-hop. En la música de Tal National se escuchan los ritmos ondulantes de 12/8 en la percusión fuji de Hausa, la aridez pensativa de la assouf de Tuareg y la exquisita guitarra griot de Songhai de Mali, todo ello entregado con precisión virtuosa y energía implacable. Después de incluir a 'Kaani' en sus mejores 10 álbumes de 2013, The New York Times escribió que "la música sigue adelante con una sorpresa tras otra: partes de la guitarra que se alinean, divergen y reconfiguran, tocando la batería que rebota en ritmos poco convencionales. Los patrones son nítidos, complejos e incansables ".
 
Los tres álbumes de FatCat fueron grabados en Niamey, la capital de Níger, por el productor / ingeniero residente en Chicago Jamie Carter, usando una plataforma de grabación remota en un polvoriento estudio improvisado (para 'Kaani', Carter recibió tres serias descargas eléctricas). Uno de los países más pobres del mundo, Níger no tiene estudios de grabación, tiendas de instrumentos de música o tiendas de discos adecuados. El baterista hace sus propios palos. A pesar de esto, o tal vez por eso, Tal National prospera en un país agotado de recursos pero repleto de música y ritmo. Sus canciones son intensas pero sofisticadas, combinando números originales con nuevos arreglos de canciones populares de África Occidental, que tratan temas de amor, tolerancia, paz, belleza femenina y la expresión de la danza física de la mujer basada en los ritmos africanos tradicionales. La banda habla francés, pero usan la expresión estadounidense "muy rock and roll" muy en serio, lo que implica su conciencia de que las guitarras fuertes y la complejidad rítmica desconcertante los separa de sus pares del oeste de África. Un oyente atento podría captar las ideas de producción de una mente occidental nutrida en el indie-rock que Carter no pudo evitar sugerir. Usando como espina dorsal el sonido que respira Tal National: electricidad pura e increíble virtuosidad tejiendo una red de melodía y ritmo, la pulpa del álbum es una respuesta a la creciente estatura de Tal National en casa en Níger y su exposición a audiencias en otras partes de el mundo.
 
En el escenario, Tal National se presenta con seis músicos, pero debido a su riguroso programa de actuaciones puede incluir hasta trece miembros en cualquier momento. En los espectáculos, los músicos cambian regularmente de lugar a mitad de camino a través de las canciones (incluida la increíble vista de percusionistas intercambiando sin perder el ritmo). Algunas noches la banda puede dividirse para tocar dos conciertos simultáneamente.

http://talnational.com/








1 Tantabara 5:01
2 Belles Reines 5:01
3 Entente 3:12
4 Duniya 4:27
5 Akokas 4:58
6 Pama 6:03
7 Trankil 4:44
8 Aminiata 4:37

viernes, 2 de marzo de 2018

Imarhan-Temet (2018) [Argelia]






Cuando Imarhan lanzó su álbum debut homónimo en 2016, entraron en un género ya inundado de talento y exposición, pero aun así lograron ascender a la cima y ser anunciados como la "nueva ola de la música Tuareg" por Fact Magazine y The Guardian. . Es con mucha anticipación que la banda de Tamanrasset, Argelia, ha anunciado los detalles de su segundo álbum, Temet, que saldrá el 26 de febrero en City Slang.

Temet es un gran salto en la producción, así como también creativo para Imarhan. Mientras que su debut estuvo anclado en la meditativa tradición del Desierto del Blues, Temet eclipsa tales nociones, encontrando rebote y manejando al mezclar su sonido con funk, fuzz, disco y rock. Este no es un concepto novedoso para la banda, ya que cualquiera que los haya visto tocar dará fe. Hay una disparidad entre su primer álbum emocional y reflexivo y el espectáculo en vivo estridente y extático. Y aunque Temet es decididamente más ecléctico, la sabiduría estética y la visión singular de su debut permanecen en plena exhibición. La experiencia de Imarhan como banda de gira ha reforzado el enfoque y el significado detrás de su música. En lugar de atravesar el desierto, estos viajeros nómadas se han globalizado para reflexionar sobre las luchas de hoy. "Temet" en Tamashek significa "conexiones" e Imarhan lo usa como un despertador enérgico ... más
créditos
lanzado el 23 de febrero de 2018

Imarhan son Iyad Moussa Ben Abderahmane, Abdelkader Ourzig, Tahar Khaldi, Hicham Bouhasse, Haiballah Akhamouk, Eyadou Ag Leche



1 Azzaman
2 Tamudre
3 Ehad Wa Dagh
4 Alwa
5 Imuhagh
6 Tumast
7 Tarha Nam
8 Tochal
9 Zinizjumegh
10 Ma S-Abok

lunes, 26 de febrero de 2018

Samurai Accordion - Te



Cinco de los principales acordeonistas europeos se juntaron para grabar un álbum y una gira combinando sus talentos. Te es un festival de acordeón lleno de actuaciones virtuosas, interacciones fascinantes y un trabajo de conjunto magistralmente sincronizado.

Las influencias musicales van desde las tradicionales tradiciones vascas, irlandesas, italianas, finlandesas y españolas de música folklórica hasta el jazz y más allá.

Los cinco artistas de Samurai Accordion incluyen a David Munnelly (Irlanda) en acordeón diatónico; Riccardo Tesi (Italia) en organetto diatonico; Simone Bottasso (Italia) en organetto y electrónica; Kepa Junkera (España) sobre trikitixa y percusión; y Markku Lepistö (Finlandia) en kolmerivinen haitari.



David Munnelly (IRL) diatonic accordion
Riccardo Tesi (IT) organetto diatonico
Simone Bottasso (IT) organetto, electronics
Kepa Junkera (ES) trikitixa, perkusioak
Markku Lepistö (FIN) kolmerivinen haitari





  1. Sushi time (Riccardo Tesi)
  2. January sun (Markku Lepistö)
  3. New years end (David Munnelly)
  4. Gemika (Kepa Junkera)
  5. Il sogno di Fellini (Simone Bottasso)
  6. Herfst (David Munnelly)
  7. Tarantella rouge & noir (Riccardo Tesi)
  8. Kuru (Markku Lepistö)
  9. Lisbao (Kepa Junkera)
  10. Getting lost in Bagdad (Simone Bottasso)

sábado, 10 de febrero de 2018

VA-Usiende Ukalale: Omutibo From Rural Kenya



"Omutibo", un estilo de guitarra acústica exclusivamente keniata, fue inventado por George Mukabi a finales de la década de 1950, y rápidamente adaptado por sus vecinos en una región que demostró ser verdaderamente fértil para los guitarristas. En 2016, Cyrus Moussavi (Raw Music International) se estableció a lo largo de las orillas del río Yala para documentar las canciones de los viejos tiempos. Grabados en locaciones y patios, estas son las canciones e historias de una era de oro de Kenia al borde de la Independencia, bellamente resucitada por los propios compositores, más de 50 años después. Con presentaciones y entrevistas de: Johnstone Ouko Mukabi, Shem Tube, Fanuel Amimo, Jimmy Bongo, Sukuma Bin Ongaro, Peter Akwabi, Zachariah Omufumbwa, Omari Machio y Johanias Kiunya.




1. Jimmy Bongo - Lumumba Is Dead 02:30
2. Omari Machio - Usiende Ukalale (Don't Sleep) 01:46
3. Johnstone Ouko Mukabi - Nili Kwenda Safari (I Went For A Journey) 03:16
4. Zachariah Omufumbwa - Ndogo Ndogo (Small Ladies) 05:17
5. Fanuel Amimo - Ndeshela Omwana (Leave The Child With Me) 02:57
6. Jimmy Bongo - Mulochi (The Curser) 03:43
7. Fanuel Amimo - Dickson Omuranda 04:11
8. Johnstone Ouko Mukabi - Kwetu George (I, George) 02:48
9. Shem Tupe - Adui (Enemy) 05:33
10. Zachariah Omufumbwa - Ndarula Ebutsetse (I Left Ebutsetse) 05:08
11. Sukuma Bin Ongaro - Mama Lucy 06:01
12. Johnstone Ouko Mukabi - Kwetu George 02:48
13. Peter Akwabi - Malenya 02:58
14. Johanias Kiunya - Mungu Nisaidie (God Help Me) 07:45


domingo, 4 de febrero de 2018

Roberto Fonseca – ABUC

Subido por Marhali.

Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC (2016), que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.

Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.

Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.

ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.

01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)

Derek Gripper – Libraries on Fire

Subido por Marhali.

El guitarrista y compositor Derek Gripper ha forjado una impresionante carrera fusionando la música clásica con las tradiciones populares africanas. Libraries on Fire (2016) es el segundo trabajo que dedica a versionear temas de los grandes maestros africanos de la kora.

En su disco One Night on Earth (2012) adapta la compleja música de la kora para guitarra clásica solista. Sus transposiciones de obras de Toumani Diabaté, Ali Farka Touré y otros maestros han tenido una acogida espectacular. Incluso la leyenda de la música John Williams dijo que pensaba que era "absolutamente imposible… hasta que escuché a Derek Gripper hacerlo", y el propio Toumani quedó tan impresionado que invitó al guitarrista a colaborar con él en Malí.

Este segundo álbum, Libraries on Fire, fue grabado en una tarde por Simon Ratcliff en el Sound and Motion Studios de Ciudad del Cabo, y en él Derek Gripper interpreta otras nueve piezas de kora, seis de ellas del repertorio de Toumani Diabaté.

Los resultados son, una vez más, espectaculares, tanto en términos de brillantez técnica y como en musicalidad. También agrega composiciones de Ballaké Sissoko (de At Peace, 2012) y Amadou Bansang Jobarteh (miembro de la gran dinastía de la kora de Gambia) a su proyecto, para crear un repertorio africano para la guitarra clásica, siendo tremendamente instructivo deleitarse en sus tomas junto con las versiones originales de kora. "Lampedusa", por ejemplo, se escuchó por primera vez en el álbum de 2014 Toumani & Sidiki, y suena de manera como si Gripper no se perdiera ni una sola nota, a pesar de las seis cuerdas de su guitarra con las que juega frente a las 42 que resultan de las dos koras de Toumani & Sidiki Diabaté. Impresionantemente maravilloso.

01. Duga (Sekou Batourou Koukaté)
02. Lampedusa (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
03. Miniyamba (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
04. Salama (Toumani Diabaté)
05. Bafoulabe (Toumani Diabaté)
06. Si Naani (Toumani Diabaté)
07. Maimouna (Ballaké Sissoko)
08. Korobali (Toumani Diabaté)
09. Alfa Yaya / Anna Magdalena ( Amadu Bansang Jobarteh / Derek Gripper)

Pantsula! The Rise of Electronic Dance Music in South Africa, 1988-90



Kwaito es un género incrustado en la sangre y los huesos de los amantes de la música sudafricanos. Tomando su inspiración de los ritmos de la cámara lenta, el kwaito se convirtió en el sonido de una generación y una innovación musical bien recibida después del régimen del apartheid.

 El género no solo ayudó a unificar a una nación, sino que también dio lugar a su propia expresión física en la forma de la danza "Pantsula".20 años después, kwaito y Pantsula se han convertido en una especie de arte perdido. Pero su resurgimiento ha entusiasmado a muchos fanáticos de la música dance, y 2017 parece ser el año del auge de la cultura sudafricana de la música de baile.

 ¡Las 12 pistas seleccionadas para Pantsula! provienen de un tiempo y lugar muy únicos, muy diferentes. Representan el nacimiento de la música dance electrónica en Sudáfrica, a través de las canciones de un sello independiente particular de la época: Music Team. El sonido representa la culminación de la era del bubblegum, cuando los artistas disco de Sudáfrica superaron sus influencias estadounidenses y forjaron un sonido pop cada vez más electrónico y "local". 

Evolucionando en el tiempo desde mucho antes de los 80, la subcultura distintivamente sudafricana de Pantsula está más cercanamente asociada con una actitud, un estilo y un baile característico, más que con un sonido específico. A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, Pantsula fue también el nombre dado a un nuevo tipo de música de baile tomando las calles de Sudáfrica, influenciado por el chicle anterior y el surgimiento de Shangaan Disco, pero con un atractivo mucho más amplio y más difícil, sonido puramente electrónico





01. The Equals - New Lover
02. Jazino - Ushelakanjani
03. Jivaro - What Next
04. S.Y.B - Jika Magogo
05. Scotch Band - Watsotasama
06. Kakappa - Sisonke
07. Spirro - Ma Hero (Dub Mix)
08. The Hard Workers - Ayoba-yo
09. Ayobayo Band - Sorry Bra
10. Rush feat. Linda Ziqubu - Sobohla Manyosi
11. Chaka - Via Tembisa
12. La Viva - Go Siami

domingo, 28 de enero de 2018

Frutería Toñi - Mellotron en Almíbar (2014) [España]






Un grupo inclasificable...

Rock progresivo clásico con influencias variadas, muchas partes de violín, saxo y teclado. Amantes de Zappa, Soft Machine, King Crimson, etc... este grupo ha sabido darle a su música un toque típico de Málaga (España) gracias a sus influencias clarísimas de Tabletom, entre otras cosas. Una especie de jazz rock ecléctico con mucho sinfonismo... o un rock sinfónico con mucho de jazz rock y elementos propios de su cultura. Bah, como quieran, lo que importa es que el disco es super recomendable.


 1. Milwokee
2. No sin Mijas-costa (El timo)
3. Zuprimo zurmano zucompare zucolega
4. Somno e dare
5. Toñi: éxtasis frutal
6. Fray Di’oxido
7. El Espeto

Alineación:
- Salva Marina / voice, guitar
- Curro Garcia / bass, electric guitar
- Javier de Prado / drums
- Jesus Sanchez / tenor sax and clarinet
- Carlos Fernandez / voice, violin, bass
- Juanma Amador / percussion
- Miguel Olmedo / slide guitar

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sábado, 27 de enero de 2018

Bonten - Ageha (2010)


The origin of the Japanese traditional percussion instrument, Wadaiko, goes back to the Jomon period, when it was used as a means of distant communication. Even today, it plays an essential role in stage performances such as Kabuki, Noh, and Shinto rituals such as festivals, Kagura (sacred music and dancing performed at shrines), and prayers. It is a very familiar percussion instrument to the Japanese people.
Bonten, the coed Wadaiko Team, strives to open new doors for this instrument, exploring free and new original styles, adding the melody of Shinobue (Japanese flute) to the rhythm of the Wadaiko.

In their debut album "BONTEN", they displayed the origin of their unprecedented, unique Taiko playing style. In their second album "GAIFU", they created a florid atmosphere featuring both strength and silence. Now, in their third album "AGEHA", they showcase the free-spirited "present moment" picture of themselves, flying high with the wind of God beneath their wings. This album is filled with the happiness of living a strong life, and they tell us that roads, which lead us into the future, will open only if we live today to our best.
The soul, to beat the drum without any desire, just selflessly, is the root of the Japanese spirit.
We sincerely hope you enjoy the present tense BONTEN, as they are ever changing, moving up to the top.
http://www.pacificmoon.com/html/ageha.html



1. Red Hill
2. Sirius
3. Kagome
4. Silent Forest I
5. Echo
6. Ageha
7. Silent Forest II
8. Sakura Mai
9. Hero

miércoles, 24 de enero de 2018

Xylouris White - Mother



A passion for exploration comes naturally to Xylouris White, the ruggedly visionary duo formed of Cretan lute player George Xylouris and Australian drummer Jim White. For their debut album, 2014’s Goats, Xylouris White compared themselves to the titular animals, wandering fearlessly through rough-hewn terrain. Two years later, they showed how far their horizons could reach on 2016’s majestically expansive Black Peak, named after a mountain top in Crete.
Just 15 well-toured months later, the duo’s exploratory instincts drive them further onwards still on their third album, Mother, released 19th January on Bella Union, and named to denote “new life”. As Xylouris puts it, “Mother is the extension of Goats and Black Peak. Three things, all part of a whole. Goats are mothers, Zeus was raised on Amaltheia’s milk, Black Peak is Mother Earth… Mother Earth is the mother of everything.” The duo have shared a first track from the album titled “Only Love”, which is steaming HERE, while the album is available to preorder here.
Across Mother’s nine tracks, Xylouris White nurture fecund growths from the spaces between their instruments. Sometimes the songs drive with an invigorating urgency; sometimes they brood, plead, yearn and lull. The duo seem to discover each other anew at every turn, teasing the songs out from their fluid chemistry with the kind of virtuosity that knows when to listen, accommodate and learn afresh. “A theme of the album is the significance of simplicity and a child-like approach,” Xylouris explains. “So, we connect mother and child and play instruments as toys. Xylouris White is still gestating.”
That ongoing gestation is a remarkable extension of already remarkable back-stories. Xylouris is a scion of one of Greece’s most revered musical families. His father is legendary singer and lyra player Psarantonis. Jim White, meanwhile, has commanded international attention for more than two decades as part of Australia’s Dirty Three. Now New York-based, White has often been called on to collaborate with numerous alt-A-listers (including: Bonnie ‘Prince’ Billy, PJ Harvey, Cat Power and Smog), where he redeploys the rolling momentum of free-jazz to variously supple, sensitive and seismic ends. Most recently he performed with Kurt Vile and Courtney Barnett on their acclaimed album “Lotta Sea Lice”.


Album opener “In Medias Res” finds the duo already in motion, feeling their way around one another, seeking out ways to bring a song to full bloom. Proving they can also be thrillingly direct when the mood takes them, “Only Love” follows with a brilliantly barrelling sense of momentum, White’s powerhouse percussion urging Xylouris’s liquid-fingered lute-playing and impassioned baritone on to increasing heights of urgency.
From here, Xylouris White proceed as if by intuition, feeling their way around new terrain. “Motorcycle Kondilies” is muscular and epic, White’s rimshots providing on-alert accompaniment as Xylouris’s reaching vocal and dancing lute lines build in intensity. If the marching rhythm and pretty lute melody of “Spud’s Garden” highlights the duo’s occasional elegant side, “Daphne” and “Achilles Heel” showcase Xylouris White’s at their most hypnotic and brooding. “Woman from Anogeia” hosts a particularly emotive vocal from Xylouris; “Call and Response” is the duo at their freeform finest, circling each other querulously, again teasing at possibility. Finally, resolution is embraced openly on the tactile and reverberant “Lullaby”, as lovely a track as any Xylouris White have birthed.
As on Black Peak, Mother’s labours benefited from the midwifery of choice collaborators. Fugazi’s Guy Picciotto produced once again. Also on hand this time was Anna Roberts-Gevalt of old-time folk duo Anna & Elizabeth, whose earthy violin/viola lines and exquisitely sighing vocals can be heard on the track “Lullaby”.
The result is an album of extraordinary accomplishment from two supremely seasoned players who’ve kept a close kinship with the richly, rewardingly inquisitive instincts of their youth. In Xylouris’s words, “It’s the natural maturity of fruits as they ripen. As fruit matures by the rhythm of nature, so the music grows at its own pace. So, here are two maturing fruits giving the taste of their present maturity – and they’re still children.”




1 In Medias Res 3:26
2 Only Love 3:30
3 Motorcycle Kondilies 7:15
4 Spud's Garden 3:53
5 Daphne 5:07
6 Achilles Heel 3:07
7 Woman From Anogeia 2:17
8 Call and Response 3:24
9 Lullaby 4:12

sábado, 20 de enero de 2018

Gili Yalo - Gili Yalo



Tiene 36 años, nació cerca de Gondar, en Etiopía, y vive en Tel Aviv, en Israel. Como tantos otros niños de la diáspora etíope, tuvo que hacer un largo camino hacia el exilio. Cuando tenía 4 años, sus padres se aventuraron a salir de Etiopía en la famosa Operación Moisés, un rescate secreto del Mossat, el servicio de inteligencia israelí, que evacuó cerca de 8.000 etíopes a través de un prolongado viaje por Sudán para subir a vuelos secretos que salieron desde Jartúm. Hoy, Gili Yalo es uno de los nombres de la escena musical emergente de Israel, y sus raíces etíopes juegan un fuerte papel en su sonido, que ha vuelto a recuperar en su recién retorno al país que lo vio nacer. Con él estuvimos durante el último Gibraltar World Music Festival, y pudimos conocer más sobre este artista, tanto como sobre los falashas, o etíopes judíos.  

MAS AQUI BIOGRAFIA
 


 RIP VINILO

A
A1 Tadese 2:53
A2 Selam 3:50
A3 Sab Sam 4:40
A4 Africa 4:58
A5 Hot Shot 3:28

B
B1 Coffee 4:56
B2 City Life 4:05
B3 Fire 3:51
B4 Tebik'Ew 4:57
B5 New Life 3:37



Steve Shehan & Baly Othmani ‎– Assikel (2008)


"Assikel, de Bali à Baly" met en musique et en images, le chemin parcouru par Steve Shehan de Bali, l'île de l'Indonésie, à Baly, l'homme "bleu", sur le thème de la recherche identitaire.La musique est une rencontre d'instruments qui mettent en valeur une autre approche de la liberté de créer dépassant les limites de l'appartenance.Baly nous a quitté le 18 juin 2005 et c'est pour honorer sa mémoire et aller jusqu'au bout du rêve et de son engagement que Steve Shehan sort ce nouvel album inédit rendant hommage à ce grand poète du désert.Tourné dans le Sahara, à Paris, et à New-York, avec une multitude d'images et de photos d'archives, ce documentaire regroupe une vingtaine de témoignages de personnes qui ont croisé et bousculé, d'une façon ou d'une autre, le chemin de Steve Shehan.

https://youtu.be/xzDqRQIFixk

1 Transhumance 1:38
2 Addalen 5:25
3 Ayeten Erkaden 3:45
4 Tidiout 6:00
5 Wagh Azaman 6:50
6 Djanet Ben Ljbal 4:47
7 Attahadum 6:53
8 After Dinner Impro 2:46
9 Tara Tahin 5:20
10 Ticharaten 6:34
11 Assouf Illougan 6:07
12 Ténéré 5:01
13 Noblesse Oblige 1:42

miércoles, 17 de enero de 2018

Boncana Maïga - Koyma Hondo



he Afro Funk side of the Latin Soul maestro !

Born in Gao ( Mali), Boncana Maïga is one of the most talented and popular producer of west african music since the 60’s. He studied flute and latin arrangements in Cuba during the 60’s and founded the famous « Les Maravillas du Mali » in 1968.

He became orchestra leader for the national ivorian tv in Abidjan in the mid seventies, toured all over the world with the famous Africando band.

During his recording sessions in NYC at the beginning of the 80’s with a lot of « Latin musicians » from Puerto Rico, Venezuela or Colombia, Boncana Maïga also recorded few rare Funky tracks with heavy breaks !With the artist, we decided to reissue four rare tracks from 1978 to 1982 dedicated to dancefloor , included a really rare soundtrack for the oil company of Ivory Coast called « Petroci ».

In 2018, he’ll be back on tour with « Les maravillas du Mali « , still have a weekly TV show on TV 5 Monde and with this reissue will continue to warm your Afro Funk parties !



Side A

– Koyma Hondo ( 3.58)
– Zourou ( 4.16)

Side B

– Yala M’le ( 4.28)
– Petroci ( 2.23)

3MA – Anarouz



3MA (pronunciado “trua-ma”) es el encuentro de tres virtuosos africanos: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi y Rajery, artistas que comparten una pasión musical, un diálogo recíproco y una hermosa amistad. El grupo toma su nombre de las tres naciones respectivas de los artistas: Malí, Marruecos y Madagascar.

En 2006, cuando el virtuoso de la kora maliense Ballaké Sissoko, el maestro marroquí del ud (laúd árabe) Driss El Maloumi y el gran intérprete malgache de la valiha, Rajery se conocieron y desde encontonces se han se han reunido regularmente, impulsados por el placer de una relación humana y musical excepcional.

Desde el lanzamiento de su primer álbum homónimo en 2008, los músicos de 3MA han pasado por muchas experiencias individuales ampliando sus conocimientos. Se reúnen habitualmente para dar conciertos de 3MA en todo el mundo y ahora, una década después del comienzo de su aventura, llegó el momento de hacer un balance y volver al estudio de grabación.

En Anarouz (“Esperanza”) el percusionista Khalid Kouhen se suma a dos temas con sus percusiones paquistaníes y tablas indias, y en otros dos temas incluso podemos escuchar a Rajery, Driss y Ballaké cantando.

Durante el resto del disco, los instrumentos de cuerda reinan y tejen su magia por si solos.

http://musicasdelmundo.com/?p=6673



1 Anarouz
2 Samedi glace
3 Anfaz
4 Moustique
5 Hanatra
6 Lova
7 Mariam
8 Aretina
9 Jiharka
10 Awal

sábado, 13 de enero de 2018

ANDINA: The Sound Of The Peruvian Andes 1968​-​1978



Una ventana al espíritu cautivador y lleno de sangre de los Andes, ANDINA arroja una nueva perspectiva sobre el patrimonio andino de Perú. Un co-lanzamiento con Strut Records, el álbum es seleccionado de entre los discos lanzados entre '68 y '78, volcando ideas cliché de la música andina y sacando a la luz las divergentes y emocionantes tradiciones que surgieron de la franja peruana de la cordillera icónica. Abarcando ritmos de cumbia peruana, grabaciones de arpa folklóricas trascendentes y grupos de big bands de Lima que tienen influencia de sus vecinos de las tierras altas, cuenta con una diversidad que atraerá a fanáticos del jazz y latinos, así como a DJs de mente tropical y coleccionistas de excavaciones profundas .Fue el productor de dubstep y DJ Mala (Digital Mystikz) quien más recientemente brilló en la región con su álbum 2016 Mirrors on Brownswood Recordings 

El fundador de Tiger's Milk, Martin Morales, lo había acompañado a Perú dos años antes, actuando como su guía y mentor en descubriendo la amplitud de la historia musical del Perú. Martin siempre había querido lanzar una colección de los sonidos inspirados por Mala y así nació ANDINA.Todas las pistas, con la excepción de 'La Chichera' de Los Demonios del Mantaro, nunca se han lanzado desde su prensado de vinilo original. El sonido más representado es el de la cumbia peruana; imbuyendo ese estilo tropical colombiano con ritmos huayno andinos y guitarras eléctricas influenciadas por el rock, fue una confluencia moderna de sonidos con un toque claramente andino. En otra parte, el álbum refleja la gran cantidad de registros folclóricos tradicionales publicados durante esta época también; con etiquetas que aprovechan la gran demanda en el Perú de discos folclóricos en ese momento, dejaron una gran cantidad de huayno y carnaval atmosféricos, recogidos con arpa para ser descubiertos. 

ANDINA nunca tuvo la intención de ser una descripción definitiva de la música andina. Compilados por el coleccionista de discos Lima Tapio Del Rio, Morales y el cofundador de la etiqueta, Duncan Ballantyne, las elecciones, lanzadas en sellos peruanos como Lempsa, Sono Radio y El Virrey, así como oscuros independientes, reflejan los récords que mostraron más ideas emocionantes y directas sobre el sonido andino. No se limita a las bandas basadas en los Andes, también hay entradas deExtraños, en particular de la ciudad costera de Lima, que tomaron las señales de sus compatriotas en las montañas.Un ejemplo temprano de la cumbia peruana de estilo huayno es 'La Chichera' de Los Demonios del Mantaro. Procedente del valle del Mantaro en Junín andino, fue un momento fundamental para la música de este período. Tomando sus pistas de ese enfoque influyente, está Los Bárbaros del Centro, cuyas dos canciones destacadas, como 'La Chichera', fueron escritas por el prolífico Carlos Baquerizo Castro. Los Compadres del Ande traen dos ejemplos más de ese sonido primitivo de la cumbia Andina.En otros lugares, algunas bandas tomaron las piedras de toque de la muy querida musica criolla y las hilvanaron en un estilo de cumbia. 

 En "Todos Vuelven" de Los Walker de Huánuco, por ejemplo, el grupo de cumbia peruana reutilizó un hito de la música criolla. Una versión del éxito de 1943 de César Miró (que fue originalmente compuesta para una película de Hollywood), ve un original afroperuano visto a través de un prisma afrocolombiano de estilo quechua; o para decirlo de otra manera, es un excelente ejemplo de cómo el sonido andino nació de los remanentes y entrelazados legados musicales de América Latina y la diáspora africana. En una línea similar, 'La Cholita' de Los Sabios del Ritmo es una canción que, originalmente popular en un estilo criollo, se inyecta con un ritmo andino.Con los artistas radicados en Lima creando su propia versión del estilo andino, a menudo tomaban su sonido en una dirección más grandiosa, de big band. "Perla Andina" de Alicia Maguiña es una cumbia con un esplendoroso arreglo de big band. Cantante y compositor con sede en Lima, fue escrita como una oda a los Andes luego de algunas visitas memorables a la región. Del mismo modo, la '' Caymeñita '' de Lucho Neves lleva la cumbia peruana a una dirección conmovedora y llena de latón, guiada por el delicioso piano de Lucho.  

En 'Toyascha', el Conjunto Kori Cinta de Huancavelica toca un modo sombrío de carnaval: con solo un simple arpa y una voz y letra cantadas en quechua, es una nota meditativa de cierre para el álbum. En un modo diferente de los Andes tradicionales, 'Mi Casacancha' de Conjunto Los Luceritos de Casacancha es una composición sombría con un ritmo de muliza, que combina violines, arpa y un grupo de instrumentos de viento.Reflexionando sobre su conexión con los Andes, Martin Morales recuerda: "Creciendo en la ciudad costera de Lima, fue mi abuela quien mantuvo viva la conexión de nuestra familia con las montañas. Nuestras visitas a su casa de gran altura en el departamento de La Libertad, junto con los paquetes regulares de comida que ella había entregado a Lima, me transmitieron un fuerte sentido de las tradiciones terrenales y desgastadas de los Andes. "A través de las diferentes ciudades, aldeas y ciudades que pueblan los Andes, sus diferentes culturas han dado lugar a una gran cantidad de híbridos en constante evolución




1. Los Demonios Del Mantaro - La Chichera 02:53 
2. Los Compadres Del Ande - La Mecedora 02:21 
3. Los Walker’s de Huánuco - Todos Vuelven 02:59 
4. La Peruanita - Recuerda Corazón 02:46 
5. Los Bárbaros Del Centro - Loca Loquita 02:50 
6. Los Compadres Del Ande - El Lorcho 02:30 
7. Los Bilbao - Zelenita del Año 2000 02:59 
8. Manolo Avalos - Rio de Paria 02:14 
9. Lucho Neves Y Su Orquesta - Caymeñita 03:05 
10. Los Jelwees - Descarga Huanuqueña 03:10 
11. Los Sabios Del Ritmo - Cholita 03:05 
12. Alicia Maguiña con Mario Cavagnaro y su Sonora Sensación - Perla Andina 02:47 
13. Conjunto Los Luceritos De Casacancha - Mi Casacancha 02:39 
14. Huiro Y Su Conjunto - Cumbia en los Andes 03:27 
15. Los Turistas Del Mantaro - Agua Dulce 02:41 
16. Los Bárbaros Del Centro - La Celosa 03:05  
17. Conjunto Kori Cinta de Huancavelica - Toyascha 02:46